soul sisters | back to soul

01. Etta James - Seven Day Fool
02. Koko Taylor - Yes It's Good for You
03. Marlena Shaw - Liberation Conversation
04. Mitty Collier - Git Out
05. Laura Lee - Dirty Man
06. Jackie Ross - Take Me for a Little While
07. Barbara Carr - Don't Knock Love
08. Joy Lovejoy - In Orbit
09. Irma Thomas - Cheater Man
10. Koko Taylor - Don't Mess with the Messer
11. Etta James - Fire
12. Sugar Pie DeSanto - I Don't Wanna Fuss
13. Fontella Bass - I Surrender
14. Irma Thomas - We Got Something Good
15. Laura Lee - It's How You Make It Good
16. Mitty Collier - My Babe
17. Koko Taylor - Tease Your Man
18. Fontella Bass - Rescue Me
19. The Jaynetts - Sally, Go Round the Roses
20. Marlena Shaw - California Soul

barbara carr - don't knock love

Soul Sisters (2005)

soul sisters (2005)

Tracklist CD 1
01. Duffy - Mercy
02. Gabriela Cilmi - Sweet About Me
03. Amy Winehouse - Tears Dry on Their Own
04. Corinne Bailey Rae - Put Your Records On
05. Gnarls Barkley - Crazy
06. Joss Stone - Right To Be Wrong
07. Black Out - Paixao
08. Carmel - You Can Have Him
09. Nina Simone - My Baby Just Cares For Me
10. Simply Red - Holding Back The Years
11. The Soul Children - I'll Be The Other Women
12. Marvin Gaye - Let's Get it On
13. The Dramatics - In the Rain
14. Tempress - Dedicated to The One I Love
15. Jean Knight - Mr. Big Stuff
16. The Delfonics - Didn't I (Blow Your Mind This Time)
17. Booker T & The MGS - Time is Tight

Tracklist CD 2
01. Isaac Hayes - Walk On By
02. William Bell - I Foerget To Be Your Lover
03. Aretha Franklin - (You Make Me Feel Like) A Natural Woman
04. Dusty Springfield - The Look Of Love
05. Sam & Dave - Soul Man
06. Wilson Pickett - Land Of 1000 Dances
07. Percy Sledge - When A Man Loves A Woman
08. Smokey Robinson - The Tracks Of My Tears
09. Otis Readding - I've been Loving You too Long
10. James Brown - I Got You (I Feel Good)
11. Solomon Burke - Everybody Needs Somebody To Love
12. Dinah Washington - Mad About The Body
13. The Drifters - I Count The Tears
14. Ray Charles - Don't You Know
15. Ella Fitzgerald - Night & Day
16. Billie Holiday - Stormy Weather

Back To Soul (2008)
CD 1    CD 2

back to soul (2008)

all that jazz

All That Jazz (2008)

CD 1    CD 2    CD 3    CD 4    CD 5

all that jazz (2008)

dr. john - black night

Tracklist CD 1
01. Anita O'Day - All of You
02. Chet Baker - My Funny Valentine
03. Curtis Stigers - Side By Side
04. Ella Fitzgerald - I Can't Give You Anything But
05. Esperanza Spalding - Precious
06. Helen Merrill - In My Life
07. Helen Merrill - Let it Be
08. Holly Cole - Almost Like Being in Love
09. Jamie Cullum - London Skies
10. Jim Tomlinson & Stacey Kent - I've Grown Accustomed to His F
11. Johnny Hartman - I See your Face Before Me
12. Laverne Butler - Affinity
13. Nat King Cole - The Surrey with the Fringe on
14. Norah Jones - Turn Me On
15. Shirley Horn - I fall in love too easily
16. Trijntje Oosterhuis - That's what friends are for

Tracklist CD 2
01. Daryl Sherman - A Hundred Million Miracles
02. Denise Jannah - Alone, Never Lonely
03. Dr. John - Black Night
04. Ella Fitzgerald & Joe Pass - Tennessee Waltz
05. Esperanza Spalding - I Know You Know
06. George Shearing with Nancy Wil - Born to Be Blue
07. Jamie Cullum - I Want to Be a Popstar
08. Laverne Butler - Make it Easy on Yourself
09. Lizz Wright - Chasing Strange
10. Nancy Wilson - All of you
11. Nat King Cole - Ballerina
12. Nina Simone - I Put A Spell on You
13. Norma Winstone - Two Kites
14. Rebecca Kilgore - Summer Night
15. Sarah Vaughan - Just a Gigolo
16. Shirley Horn - Return To Paradise

Tracklist CD 3
01. Anita O'Day - Easy To Love
02. Carmen McRae-Marian McPartland - As Long as I Live
03. Dianne Reeves - Loads of Love
04. Ella Fitzgerald - All by Myself
05. Ella Fitzgerald - Anything Goes
06. Jane Monheit - Bill
07. Jessica Molaskey - Look For the Silver Lining
08. Jessica Molaskey John Pizzarel - You're a Builder Upper
09. Laika Fatien - Inchworm
10. Laverne Butler - Go Away Little Boy
11. Nat King Cole - Joe Turner Blues
12. Nat 'King' Cole & His Trio - You're Looking at Me
13. Peter Cincotti - You Stepped Out of a Dream
14. Shirley Horn - Here's to Life
15. Silje Nergaard - Bewitched
16. Stacey Kent - What the World Needs Now Is Lo

Tracklist CD 4
01. Deborah Cox - I Don't Hurt Anymore
02. Dee Dee Bridgewater - If You Can't Sing It, You'll H
03. Ella Fitzgerald - This Time the Dream's On Me
04. Frank Sinatra & Count Basie - I Can't Stop Loving You
05. George Shearing with Nancy Wil - All Night Long
06. Jacqui Naylor - Tell Me More & More & Then Som
07. John Pizzarelli - I Was a Little Too Lonely
08. Melody Gardot - Some Lessons
09. Meredith D'ambrosio - Amazon Lily
10. Patti Austin - Our Love Is Here to Stay
11. Peggy Lee - I Love You But I Don't Like You
12. Rickie Lee Jones - Love Junkyard
13. Tierney Sutton - People Will Say We're In Love
14. Trijntje Oosterhuis - This house is empty now

Tracklist CD 5
01. Anita O'Day - What Is This Thing Called Love
02. Ella Fitzgerald - Looking For a Boy
03. Holly Cole - Too Darn Hot
04. Jeanie Bryson - Simple Song
05. John Sheridan-Rebecca Kilgore - Walkin' by the River
06. Laika Fatien - This Is For Albert Ayler
07. Leah Kline - Diamonds Are a Girl's Best Fri
08. Mary Stallings - 'Tain't Nobody's Bizness If I Do
09. Molly Johnson - Lush Life
10. Nat King Cole - Funny
11. Patricia Barber - Bye Bye Blackbird
12. Sarah Vaughan - Vanity
13. Shirley Horn - Violets for Your Furs
14. Simone - I Wish I Knew how it Would Fee
15. Tierney Sutton - Last Dance Dancing In the Dark

the best choral album | the best classical album

Tracklist CD 1
01. Vivaldi - Gloria in Excelsis Deo
02. J.S Bach - Jesu, Joy of Man's Desiring
03. Händel - Zadok the Priest, coronation anthem No. 1
04. Allegri - Miserere mei,Deus
05. Canto Gregoriano - Veni creator spiritus
06. Mozart - Lacrimosa
07. Händel - For unto Us a Child Is Born
08. Haydn - The Heavens Are Telling
09. Franck - Panis angelicus
10. Rachmaninov - Ave Maria
11. Beethoven - Ode to Joy
12. Verdi - Va pensiero
13. Borodin - Chorus of Slave Girls
14. Vives - Coro de románticos
15. Faure - In paradisum
16. Gorecki - Totus tuus
17. Taverner - Song for Athene
18. McCartney - Celebration
19. Parry - Jerusalem

Tracklist CD 2
01. J.S Bach - Zion hört die Wächter
02. Charpenter - Pleni sunt coeli et terra
03. Händel - Hallelujah Chorus
04. Purcell - Thou knowest, Lord
05. Canto Gregoriano - Veni sancte spiritus
06. Haydn - Awake the harp
07. Mendelssohn - And then Shall Your Light Break Forth
08. Berlioz - Shepherds' Farewell
09. Durufle - Agnus Dei
10. Faure - Cantique de Jean Racine
11. Mozart - Ave verum corpus
12. Wagner - Pilgrim's Chorus
13. Verdi - Anvil Chorus
14. Poulenc - Laudamus te
15. Bernstein - Chichester Psalms
16. Taverner - The Lamb
17. Barber - Agnus Dei
18. Rutter - Requiem aeternam
19. Verdi - Dies irae
20. Orff - O Fortuna
21. Elgar - Pomp and Circumstance March No.1

The Best Choral Album in the
World...Ever! (2005)

CD 1    CD 2

The Best Choral Album in the World ...Ever! (2005)

mozart - lacrimosa

CD 1: Best Relaxing Classics
01. Pachelbel: Canon In D
02. J. S. Bach: Air ‘On The G String’ (Hamlet Cigars)
03. Albinoni: Adagio In G Minor (Gallipoli)
04. J.S.Bach: Goldberg Variations (Silence Of The Lambs)
05. Vaughan Williams: The Lark Ascending
06. Armstrong: Weather Storm
07. Beethoven: ‘Pastoral’ Symphony – Shepherds’
08. Rachmaninov: Piano Concerto No.2 (Brief Encounter)
09. Vaughan Williams: Fantasia On ‘Greensleeves’
10. Delibes: Flower Duet (Lakmé) (British Airways)
11. Beethoven: ‘Moonlight’ Sonata (Immortal Beloved)
12. Mozart: Flute & Harp Concerto In C
13. Bruch: Violin Concerto No.1 In G Minor
14. Satie: Gymnopédie No.1 (What Lies Beneath)
15. Vivaldi: Winter (The Four Seasons)
16. Mozart: Clarinet Concerto In A (Out Of Africa)
17. Elgar: Nimrod (Elizabeth)

CD 2: Best Cinema Classics
01. Zimmer/Gerrard/Badelt: Gladiator Suite (Gladiator)
02. Vaughan Williams: Fantasia On A Theme
03. Armstrong/De Vries/Hooper: Balcony Scene (Romeo & Juliet)
04. Shore: The Fellowship (The Lord Of The Rings)
05. Horner: My Heart Will Go On (Titanic)
06. Williams: Schindler’s List Theme
07. Mozart: Piano Concerto No. 21 In C (Elvira Madigan)
08. Johann Strauss Ii: Blue Danube (2001: A Space Odyssey)
09. Barry: You Only Live Twice Main Theme
10. Nyman: The Heart Asks Pleasure First (The Piano)
11. Puccini: O Mio Babbino Caro (Gianni Schicchi)
12. Williams: Fawkes The Phoenix (Harry Potter)
13. Newman: Any Other Name (American Beauty)
14. Myers: Cavatina (The Deer Hunter)
15. Morricone: Cinema Paradiso
16. Petit: Jean De Florette Theme (Stella Artois Tv Advert)
17. Morricone: Gabriel’s Oboe (The Mission)
18. Mahler: Symphony No.5 In C (Death In Venice)
19. Tárrega: Etude (The Killing Fields)
20. Eno: An Ending (Ascent) (Traffic)

CD 3: Best Uplifting Classics
01. Handel: Hallelujah Chorus (Messiah)
02. Allegri: Miserere Mei, Deus (Chariots Of Fire)
03. Barber: Adagio For Strings (Platoon)
04. Handel: Zadok The Priest (P&O Cruises Tv Advert)
05. Mozart: Lacrimosa (Requiem) (Amadeus)
06. Bach–Gounod: Ave Maria
07. Jenkins: Agnus Dei (The Armed Man: A Mass For Peace)
08. Elgar: Cello Concerto In E Minor
09. Prizeman: Voca Me
10. Lloyd Webber: Pie Jesu (Requiem)
11. Tavener: The Lamb (Orange Tv Advert)
12. Dowland: Lachrimae Antiquae (Flow My Teares)
13. Handel: Lascia Ch’io Pianga (Rinaldo)
14. Mozart: Ave Verum Corpus (Lorenzo’s Oil)
15. Rutter: Requiem Aeternam (Requiem)
16. Parry: Jerusalem
17. Fauré: In Paradisum (Requiem) (The Thin Red Line)
18. Mccartney: Celebration (Standing Stone)

CD 4: Best Spectacular Classics
01. Orff: O Fortuna (Carmina Burana)
02. J. S. Bach: Toccata & Fugue In D Minor
03. Jenkins: Adiemus
04. Vivaldi: Spring (The Four Seasons)
05. J. S. Bach: Brandenburg Concerto No.3 In G
06. Beethoven: Symphony No.5 In C Minor
07. Mozart: Horn Concerto No.4 In E Flat
08. Grieg: Piano Concerto In A Minor
09. Bizet: Temple Duet (The Pearl Fishers)
10. Gershwin: Rhapsody In Blue
11. Holst: Jupiter
12. Prokofiev: Montagues And Capulets (Romeo & Juliet)
13. Tchaikovsky: Piano Concerto No.1
14. Wagner: The Ride Of The Valkyries (Apocalypse Now)
15. Ravel: Bolero (10)
16. Elgar: Pomp And Circumstance (Land Of Hope And Glory)
17. Beethoven: Ode To Joy (Die Hard)
18. Tchaikovsky: 1812 Overture

The Best Classical Album in the
World...Ever! (2005)

CD 1    CD 2    CD 3    CD 4

The Best classical Album in the World ...Ever! (2005)

bach: toccata & fugue in D minor

the ultimate encyclopedia of american blues classics

The Ultimate Encyclopedia of
American Blues Classics (1997)

CD 1    CD 2

The Ultimate Encyclopedia of American Blues Classics

Tracklist CD 1
01. Mildred Bailey - Gulf Coast Blues
02. Big Bill Broonzy - Big Bill Blues
03. Ida Cox - Four Day Creep3:28
04. Blind Gary Davis - Lord I Wish I Could See
05. Tom Dickson - Death Bell Blues
06. Pearl Dickson - Little Rock Blues
07. Blind Boy Fuller - Homesick and Lonesome Blues
08. Woody Guthrie - John Henry
09. WC Handy - Mister Crump
10. Billie Holiday - Loveless Love
11. John Lee Hooker - Black Man Blues
12. Lightnin' Hopkins - Guitar Lightnin'
13. Mississippi John Hurt - Louis Collins
14. Blind Lemon Jefferson - Match Box Blues
15. Blind Willie Johnson - Dark Was The Night
16. Robert Johnson - I Believe I'll Dust My Broom
17. Leadbelly - The Gallis Pole
18. Furry Lewis - Billy Lyons And Stackolee
19. Sara Martin - Atlanta Blues
20. Blind Willie McTell - Scarey Day Blues

Tracklist CD 2
01. Memphis Minnie - Where Is My Good Man At?
02. Charlie Patton - 34 Blues
03. Ma Rainey - Sleep Talkin' Blues
04. Tampa Red - Sugar Mama Blues
05. Otis Rush - May Be The Last Time
06. Bessie Smith - The Gin House Blues
07. Otis Spann - I Just Want A Little Bit
08. Victoria Spivey - Black Gal
09. Sonny Terry - Mountain Blues
10. Big Mama Thornton - Ball And Chain
11. Sophie Tucker - Red Hot Mama
12. T. Bone Walker - Doin' Time
13. Little Walter - Blue Mood
14. Ethel Waters - St. Louis Blues
15. Muddy Waters - Hoochie Coochie Man
16. Bukka White - Special Stream Line
17. Josh White - Black And Evil Blues
18. Sonny Boy Williamson - Cool Cool Blues
19. Jimmy Witherspoon - Skidrow Blues
20. Howlin' Wolf - Evil

the qatsi trilogy

The Qatsi TrilogyQuando Godfrey Reggio e Philip Glass lançaram em 1982 o filme sobre a tecnologia e a silenciosa mutação da paisagem, eles mal sabiam que ‘Koyaanisqatsi’ e suas duas sequências, ‘Powaqqatsi’ e ‘Naqoyqatsi’ se tornariam um marco cultural. Os títulos dos filmes são palavras da língua hopi, onde a palavra ‘qatsi’ significa vida. A língua Hopi pertence ao grupo Uto-Azteca e é falada pelos Hopis, uma nação indígena dos EUA que vive no noroeste do Estado de Arizona. ‘The Qatsi Trilogy’ é o nome informal dado aos filmes dirigidos por Godfrey Reggio, com trilha sonora de Philip Glass e Francis Ford Coppola na produção executiva. Todos os filmes consistem em imagens da natureza e imagens do Homem e as suas criações, tudo estimulado pela música minimalista de Philip Glass. Os filmes estruturam-se num tripé: o encadeamento conceitual, a forte carga das imagens e o rítmo musical. É difícil julgar cada um dos filmes, pois não são filmes no sentido convencional. É uma experiência de sons e imagens, harmonizados para evocar sentimentos. O papel deles é provocar, levantar questões. O primeiro aborda principalmente o hemisfério norte, o segundo o sul e países asiáticos, e o terceiro aborda o planeta como um todo. Godfrey Reggio é muitas vezes capaz de encontrar a poesia mesmo na mais perturbadora das imagens, reforçadas pela assombrosa música de Philip Glass.

Godfrey Reggio and Philip Glass Nascido e criado em Nova Orleans, Louisiana, Godfrey Reggio é um diretor de cinema especializado em documentários experimentais onde cria imagens poéticas com impacto emocional. Na trilogia Qatsi ele criou imagens que mostram a destruição do meio-ambiente pelo mundo moderno. Nos anos sessenta, no Novo México, foi professor e fundou várias organizações humanitárias e esteve envolvido em muitas causas políticas progressistas nos Estados Unidos. Reggio passou quatorze anos em jejum, silêncio e oração, dentro da ‘Congregation of Christian Brothers’, uma ordem católica, antes de abandonar o caminho da religião e para fazer filmes. Filmes sem atores, sem diálogos. E estreou como diretor de cinema e produtor com o filme ‘Koyaanisqatsi', musicado pelo seu amigo Philip Glass.

Philip Glass é um compositor norteamericano, nascido em Baltimore, e é um dos compositores mais influentes do final do século XX. Sua música é conceituada de minimalista, embora ele não aprecie esta expressão. O termo minimalismo foi usado para se referir à produção musical que reúne as seguintes características: repetição de pequenos trechos através de grandes períodos de tempo e ritmos quase hipnóticos. É frequentemente associada e inseparável da música eletrônica, da música psicodélica ou até mesmo do punk rock. Philip Glass produziu óperas, sinfonias, concertos e trilhas sonoras. É defensor da causa tibetiana. 'Satyagraha' é uma ópera baseada na vida de Mahatma Gandhi que inclui diversos mantras. A trilha sonora de 'Koyaanisqatsi' está entre as mais influentes. Além de trabalhos sinfônicos, Glass também possui fortes ligações com o rock e a música eletrônica. Vários artistas foram influenciados por sua obra e entre as influências que recebeu está a música de Ravi Shankar que mudou a sua percepção da música indiana.

yo-yo ma - primacy of number

‘Koyaanisqatsi: Life out of balance’ ‘Koyaanisqatsi: Life out of balance’ foi lançado em 1983. É o primeiro e o mais conhecido da trilogia. É uma visão apocalíptica da colisão entre dois mundos distintos: a vida urbana e tecnológica versus meio ambiente. São apresentadas cenas de paisagens naturais e urbanas, muitas delas com a velocidade modificada. Algumas cenas são lentas e outras mais rápidas que o normal, como o cotidiano da vida moderna cada vez mais rápido devido às inovações tecnológicas. Imagens do tempo com majestosa música minimalista. O título tem origem na língua Hopi e significa ‘vida em desequilíbrio’. O significado é revelado no final do documentário quando também são cantadas três profecias do povo Hopi em sua própria língua, traduzidas, é claro. Foi um filme sem história, sem diálogo e sem estrutura narrativa de qualquer tipo. Houve pouco debate sobre a importância de ‘Koyaanisqatsi’ como advertência para a humanidade. Em vez disso, encontrou-se apenas o culto à beleza das imagens em alta velocidade que se tornaram clichês usados em outros filmes e programas de televisão. Alguns o vêem como um filme fortemente pró-ambiental, enquanto outros dizem que é mais espiritual. Outros deduzem que exalta a beleza e a força das coisas que o Homem fez com a natureza. Para mim, é a prova dolorosa de como os maiores sucessos da humanidade nos levaram a grandes falhas também, e talvez no final, teremos criado algo totalmente contrário à vida que a Terra originalmente nos deu. Aos quarenta minutos do filme, como curiosidade para nós brasileiros de São Paulo, é mostrado a implosão do Edifício Mendes Caldeira, que deu lugar à Estação Sé, do Metrô de São Paulo.

koyaanisqatsi (1982)

Koyaanisqatsi: Life out of Balance (1982)
parte I    parte II

Tracklist: 01. Koyaanisqatsi 02. Organic 03. Cloudscape 04. Resource 05. Vessels 06. Pruit Igoe 07. The Grid 08. Prophecies

‘Powaqqatsi: Life in transformation’ ‘Powaqqatsi: Life in transformation’ foi lançado em 1988 e como nos demais filmes, não existem narrativas ou diálogos. Também no final é revelado o significado do nome powaqqatsi: vida em transformação. Recorrendo à desaceleração das imagens, ‘Powaqqatsi’ denuncia a violência contra a natureza. Ele segue um conceito totalmente diferente de ‘Koyaanisqatsi’, que se concentra nas estruturas inanimadas construídas pela humanidade. Este é um filme sobre pessoas e estilos de vida do mundo em desenvolvimento. Godfrey Reggio optou por não utilizar técnicas visuais e fotografia de alta velocidade e se contentou em uma abordagem mais discreta. Embora o filme não consiga se igualar ao impacto das imagens de ‘Koyaanisqatsi’, considerado o melhor pela opinião do público e dos críticos, ‘Powaqqatsi’ tem maior profundidade temática, ele faz o público e os críticos pensarem. O filme é o melhor retrato cinematográfico dos efeitos da modernidade sobre os nativos do terceiro mundo, culturas emergentes da Ásia, Índia, África, Oriente Médio e América do Sul, em parte rodado no Brasil, que ainda vivem da mesma maneira que faziam centenas de anos atrás e como eles se expressam através do trabalho e tradições. As cenas de pessoas trabalhando, carregando cestas em suas cabeças, mostram o enorme esforço exigido para esses povos realizarem uma revolução industrial e em um período muito curto de tempo. As imagens mostram o imenso trabalho e do sacrifício necessário para construir uma sociedade moderna. A estrutura do filme é a mesma que a de ‘Koyaanisqatsi’: a vida primitiva, a vida industrial, e, finalmente a existência moderna. ‘Powaqqatsi’ transmite uma filosofia humanista sobre a Terra. O avanço da tecnologia sobre a natureza e as culturas antigas, e do esplendor como resultado. O filme centra-se no modo de vida moderno e do conceito de Aldeia Global. ‘Koyaanisqatsi’ trata do desequilíbrio entre a natureza e a sociedade moderna, ‘Powaqqatsi’ é uma celebração. Para Godfrey Reggio, é uma análise de como a vida está mudando numa mistura fascinante de vivências diferentes. É um registro da diversidade e da transformação. Culturas morrendo e prosperando. Com a música de Philip Glass, os instrumentos clássicos e eletrônicos fundidos com os ritmos tribais num único tema.

powaqqatsi (1988)

Powaqqatsi: Life in Transformation (1988)
parte I    parte II

Tracklist: 01. Serra Pelada 02. The Title 03. Anthem-Part 1 04. That Place 05. Anthem-Part 2 06. Mosque And Temple 07. Anthem-Part 3 08. Train To Sao Paulo 09. Video Dream 10. New Cities In Ancient Lands, China 11. New Cities In Ancient Lands, Africa 12. New Cities In Ancient Lands, India 13. The Unutterable 14. Caught! 15. Mr. Suso #1 16. From Egypt 17. Mr. Suso #2 With Reflection 18. Powaqqatsi

‘Naqoyqatsi: Life as war’ ‘Naqoyqatsi: Life as war’ encerra a trilogia apocalíptica de Godfrey Reggio e Philip Glass e com trechos executados por Yo-Yo Ma, violoncelista francês de origem chinesa. Quinze anos depois, em 2002, Godfrey Reggio e Philip Glass voltam para a sociedade pós-industrial, marcada pelo progresso científico e pela globalização da informação. Dos três filmes, este é o mais pessimista. O filme começa com a pintura ‘Torre de Babel’, de Pieter Brueghel, O Velho. Torre construída pela humanidade para alcançar o céu numa época em que o mundo falava a mesma língua, com as mesmas palavras. Deus não gostou do projeto e confundiu a linguagem de todos. A torre, alegoricamente, explica a origem das muitas línguas faladas no mundo. O filme termina com um homem perdido no espaço citando ‘2001: A Space Odyssey’ de Kubrick. O filme é estruturado pelo Homem, a Terra, o espaço e a violência. Líderes políticos como Bush filho, Lincoln e Arafat marcam presença. Bin Laden surge brevemente, caminhando entre seguidores. ‘Naqoyqatsi’ mostra a grandiosidade do planeta conectado, globalizado, mergulhado na tecnologia que encurta distâncias e acelera processos de destruição devido ao seu mau uso. Ao contrário dos outros dois filmes, foram utilizados filmes e imagens manipulados digitalmente, misturadas com cenas produzidas por computação gráfica. É uma sucessão de imagens, algumas delas provenientes da natureza como nuvens e as ondas do oceano, outras do Homem como edifícios e pontes, e outras são fantasias geradas por computador. Assim, Godfrey Reggio também demonstra que a presença da tecnologia é essencial e predominante na produção de filmes. ‘Naqoyqatsi’ faz refletir sobre a nossa relação com a natureza, a influência da tecnologia em nossas vidas e as novas maneiras insalubres de se relacionar com as pessoas devido à facilidade da conectividade tecnológica. A humanidade não usa a tecnologia como uma ferramenta, mas vive a tecnologia como uma forma de vida. É uma necessidade, não podemos mais viver sem ela. No final do filme somos informados que ‘Naqoyqatsi’ é uma palavra que significa essencialmente, guerra e violência. Mas, Godfrey Reggio não inclui fotos de nuvens de cogumelo, de motins de rua, jogos de vídeo violentos. Godfrey Reggio examina um mundo em que a natureza tem sido largamente eclipsada pela informática. Um mundo caótico, que muitas vezes não têm tempo para parar e olhar realmente para todas as coisas belas que passam despercebidas. ‘Naqoyqatsi’ é o embate entre a natureza e a tecnologia. ‘Naqoyqatsi’ nos leva em uma jornada épica onde o real dá lugar ao virtual numa surpreendente maré digital de imagem e música.

naqoyqatsi (2002)

Naqoyqatsi: Life as War (2002)
(participação de Yo-Yo Ma)
parte I    parte II

Tracklist: 01. Naqoyqatsi 02. Primacy of Number 03. Mass Man 04. New World 05. Religion 06. Media Weather 07. Old World 08. Intensive Time 09. Point Blank 10. Vivid Unknown 11. Definition

pat ramsey | crosscut saw

pat ramseyNo início da década de 90, Pat Ramsey gravou seu primeiro álbum solo, ‘It's About Time’, e mais tarde formou com o guitarrista Dave Renson e o baterista Steve Howell o grupo ‘Pat Ramsey & The Disciples Blues’. A banda tornou-se uma das prediletas da Flórida, apresentando-se nos circuitos e festivais de blues e lançou dois álbuns ao vivo. Pat Ramsey era aclamado por uma legião de fãs e personificava o espírito do blues. Evidentemente, ele não é um purista da velha escola, ele tem um estilo e perspectiva conceitual pessoal. Seu estilo é inconfundível. Em ‘It's About Time’ ele toca brilhantemente a sua gaita e apoiado perfeitamente pelos demais integrantes da banda criou canções magníficas. Pat Ramsey faleceu em 2008, vítima de hepatite C. Dois meses antes um show beneficente foi organizado para ajudar a pagar as contas médicas que foram se acumulando. Esta foi uma forma de todos os seus velhos amigos e companheiros de banda dizer adeus. Considerado por muitos como o maior gaitista de rock blues do mundo, ele teve uma longa e triste batalha contra a doença. E sua vida inspiraria um filme, que contaria suas façanhas ao viajar de carona cortando todo o país, durante os anos 70.

julien kasperNascido em Shreveport, Louisiana, em 1953, Pat Ramsey começou a tocar gaita com a idade de 17 anos. Juntou-se ao ‘Bunny Brooks Band’ em Denver. Em 1978, ele impressionou Rick Derringer que comentou com Johnny Winter sobre o ‘garoto cabeludo’ de Denver. Johnny Winter gostou tanto do que ouviu que contratou Pat para tocar no álbum ‘White Hot and Blue’. No final do mesmo ano Pat se juntou a Butch Trucks do ‘Allman Brothers Band’, para logo depois a banda ser dissolvida. Então nos pântanos de Tallahasse, Flórida, nasceu ‘Crosscut Saw’. Julien Kasper, vocalista e um prodígio da guitarra de dezessete anos de idade e Pat tornaram-se parceiros. Kasper tinha caído de amores pelo blues e tocava guitarra elétrica apenas há um ano quando ‘Crosscut Saw’ foi formada, mas seu carisma e seu estilo de tocar como Jimi Hendrix, juntamente com a voz e a gaita de Pat Ramsey fizeram o sucesso imediato da banda. Nos cinco anos seguintes ‘Crosscut Saw’ abriu os shows para BB King, Johnny Winter, Johnny VanZandt, Bobby Bland e vários outros. E lançaram o seu único álbum ‘Mad, Bad & Dangerous to Know’ antes da dissolução. Pat Ramsey e Julien Kasper estiveram em contato depois que o grupo se desfez, e as suas reuniões anuais frente ao ‘Crosscut Saw’ ainda eram um grande atrativo em Tallahasse.

pat ramsey & johnny winter

Johnny Winter e Pat Ramsey

Em 1985, a ‘Pat Ramsey Band’ foi formada quando Julien optou por estudar jazz. Em 1987, a banda fez uma turnê com o velho amigo Johnny Winter. Em 1991, Pat mudou-se para Sarasota, Flórida, para tocar com seu amigo guitarrista Greg Poulos do ‘Freddie King Band’. E assim nasceu a ‘The Poulos-Ramsey Band’. Poucos meses depois estavam abrindo os shows para Charlie Musslewhite, Solomon Burke, Albert Collins, Ronnie Earl, James Cotton e Pinetop Jenkins. Dois anos depois, eles estavam prontos para dar o salto para Memphis, Tennessee, quando a tragédia atingiu a família de Greg, na Flórida, trazendo um fim prematuro para este esforço. Mais uma vez Pat foi abandonado, em algum lugar, pelo destino. Em uma nova cidade, ao sul de Memphis, conseguiu um emprego para trabalhar na mesa de um cassino, mas rapidamente foi aceito por músicos locais e foi contratado para tocar no ‘Blues Café’, como parte da banda da casa. Vivia em um trailer em um acampamento de pesca nas proximidades, quando com a ajuda de seu velho amigo Julien Kasper, agora Professor Julien Kasper da ‘Berklee College of Music’ em Boston, e alguns dos melhores músicos locais de Memphis, produziu seu álbum de estréia, ‘It's About Time’.

crosscut saw

'Crosscut Saw', Pat Ramsey de óculos

Trata-se do mesmo tempo em que o gaitista e cantor Jason Ricci, a caminho de casa, parou no clube onde Pat Ramsey estava tocando. Jason ficou tão encantado que alguns meses depois ele se mudou para Memphis para que pudesse ver cada show que Pat faria. Em 2005, Jason Ricci associado com a SPAH apresentou o festival anual ‘The Blues Harmonica Blowout’ com diversos gaitistas representando diversos Estados. Pat Ramsey representou o Mississippi. O ‘The Blues Harmonica Blowout’ foi fundado em 1991 por Mark Hummel que organizou uma série de festivais focalizando o grande som produzido pela gaita. Cresceu e se tornou um evento reconhecido internacionalmente. Já a ‘Society for the Preservation and Advancement of the Harmonica’ (Sociedade para a Preservação e Avanço da Harmônica), conhecida pela sigla SPAH, é uma organização internacional sem fins lucrativos constituída no Estado de Michigan em 1963 por um pequeno grupo de entusiastas e apaixonados pela gaita e sobre sua importância para o futuro da música contemporânea. A foi criada para apoiar essa missão e os músicos da gaita harmônica em todo o mundo.

crosscut saw - hippie song

crosscut saw - mad, bad & dangerous to know (1982)

Mad, Bad and Dangerous To Know (1982)
Crosscut Saw

Personnel: Pat Ramsey (harmonica, vocal) Steve Howell (percussion, drums) Joel "Mister Joel" Dick (cowbell, inspiration) Julien Kasper (guitar) Jim McRae (saxophone)
Tracklist: 01. One's Too Many 02. Allergic to Work 03. Love Her with a Feeling 04. Steppin' Out 05. Vegetable Oil 06. Dead Shrimp Blues 07. Treat Her Right 08. Hear My Song 09. Hippie Song 10. Mud Bee

pat ramsey - it's  about time (1995)

It´s about Time (1995)
Pat Ramsey

Personnel: Pat Ramsey (harmonica, vocal) Billy Gibson (second harmonica) Julien Kasper, Sean Costello, Alain Berkes, Sterling Billingsly, David Bowen, Eddie Ceballos (guitar) Carl Shankle (bass) Eric Dinnena (drums) Charles Campbell (sax) Tom Clar (trumpet) Al Gamble (organ)
Tracklist: 01. Allergic To Work 02. Georgia Swing 03. King of Fools 04. Stingin’ Stang 05. I Need Money 06. Broken Hearted 07. It’s About Time 08. Jammin’ In the Jungle 09. Baby Baby Let’s Go 10. Loan Me a Dime 11. Too Many Drivers 12. We Can Fly 13. Hippie

pat ramsey - live harmonica blowout (2005)

Live Harmonica Blowout Spah (2005)
(apenas a apresentação de Pat Ramsey neste festival)

01. Into 02. Walking By Myself 03. I Need Money 04. Georgia Swing 05. Broken Hearted 06. Too Many Drvers 07. Willie's Boogie

blue note records

blue note records logoA ‘Blue Note Records’ é uma gravadora norte-americana de jazz fundada em 1939 por Alfred Lion. O seu nome tem origem no termo de jazz e blues, blue note, que é uma nota musical que provém das escalas usadas nas canções de trabalho praticadas pelos povos afro-americanos. A característica musical resultante imprime um caráter de lamento à música podendo considerar-se que tenha surgido como uma consequência da dureza do trabalho nos campos. Consiste em criar uma nota que não consta na escala diatônica tradicional. Esta herança escalar migrou mais tarde para o universo jazzístico. A 'Blue Note Records' esteve desde cedo mais associada ao estilo 'hard bop', um gênero influenciado pelo rhythm and blues, gospel e blues, que desenvolveu-se durante as décadas de 1950 e 1960. Mas, a gravadora incluia também bebop, soul, blues, rhythm and blues e gospel. Horace Silver, Jimmy Smith, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Art Blakey e Grant Green estavam entre os principais artistas da editora. Após a 2ª Guerra Mundial, no entanto, quase todos os músicos mais importantes gravariam para a 'Blue Note'.

Em 1925, aos 16 anos, Alfred Lion notou um cartaz de concertos para orquestra que aconteceria perto do seu local favorito de patinação no gelo em sua nativa Berlim, na Alemanha. Ele tinha ouvido muitos discos de jazz de sua mãe e começou a se interessar pela música, mas naquela noite do concerto a sua vida mudou. O impacto do que ouviu tocado ao vivo explodiu dentro dele como uma paixão e o fez partir para Nova York em 1928 onde trabalhou nas docas e dormiu no Central Park para chegar mais perto da música que tanto amava. Em 1938, Lion foi ver o concerto ‘Spirituals to Swing’ no Carnegie Hall. O poder e a beleza do piano ‘boogie woogie', um estilo de blues, caracterizado pelo uso sincopado da mão esquerda ao piano, dos mestres Albert Ammons e Meade Lux Lewis balançou e apoderou-se de sua alma. Exatamente duas semanas depois trouxe os dois pianistas para um estúdio de Nova Iorque para fazer algumas gravações. Eles se revezavam ao piano e a longa sessão terminou com dois duetos impressionantes. A ‘Blue Note Records’ finalmente tornou-se uma realidade e Alfred Lion construiu uma das maiores empresas de registro musical de jazz do mundo.

blue note records sede

Blue Note Records

No final de 1939, o seu amigo de infância Francis Wolff saiu da Alemanha de Hitler com destino aos Estados Unidos. Ele encontrou emprego em um estúdio fotográfico e juntou forças com Alfred Lion no projeto ‘Blue Note’. No final dos anos 1940, o jazz havia mudado novamente, e Lion e Wolff já não podiam resistir mais ao movimento do bebop, uma das correntes mais influentes do jazz. O saxofonista Ike Quebec tornou-se um amigo íntimo e conselheiro para os dois. Logo eles estavam gravando Fats Navarro, Bud Powell, Tadd Dameron, Thelonious Monk, Art Blakey, entre outros. Lion e Wolff eram especialmente fascinados por Thelonious Monk e ajudaram a sua carreira em todos os sentidos possíveis. Apesar da resistência dos críticos musicais e das vendas fracas, eles gravaram com ele até 1952. O caso de Monk foi o primeiro grande exemplo do que Horace Silver descreveu em uma entrevista de 1980: 'Alfred Lion e Frank Wolff eram homens de integridade e realmente fãs de jazz. Deram a vários músicos a chance de gravar quando todas as outras gravadoras não estavam interessadas. E eles apoiavam o artista, mesmo que ele não estivesse vendendo quase nada.'

blue note records - Dexter Gordon Alfred Lion & Francis Wolff

Alfred Lion, Dexter Gordon & Francis Wolff

Em 1954, a ‘Blue Note’, partiu em direção a um sistema que foi muito semelhante a uma companhia de teatro usando um elenco de 'sidemen', músicos profissionais contratados para executar ou gravar com um grupo do qual não era um membro regular; e líderes que assegurassem a criatividade e a confiabilidade. Logo depois a gravadora colocou em movimento uma outra tendência do jazz. Seguindo o conselho de Babs Gonzales e outros músicos, Alfred Lion e Frank Wolff se aventuraram a ouvir um pianista da Filadélfia, que tinha abandonado o seu instrumento original e agora tocava um órgão Hammond no canto de um armazém alugado. E assim ouviram pela primeira vez Jimmy Smith em 1956, no seu primeiro show em Nova York. Descrito por Alfred como uma visão impressionante, um homem de rosto contorcido, agachado sobre o teclado em agonia aparente, os dedos em vôo e os pés que dançavam sobre os pedais. Um som que ele nunca tinha ouvido antes. Foi estarrecedor. Ao mesmo tempo, Wolff conheceu Reid Miles, um artista comercial, que era um devoto fã de música clássica. Miles se tornou o designer para o selo por 11 anos e criou gráficos maravilhosos para as capas dos discos. Os detalhes fizeram a diferença.

Na década seguinte a ‘Blue Note’ passou para um patamar mais elevado na indústria fonográfica. Com álbuns que foram sucessos inesperados, que tiveram longas estadias nas paradas pop além de continuar a sua tradição 'hard bop'. Alfred Lion permaneceu até meados de 1967, quando problemas de saúde o forçaram a se aposentar. Frank Wolff e Duke Pearson dividiram as tarefas de produção, mas o jazz foi se movendo para um novo ciclo de tempos difíceis, economicamente e artisticamente. A cena não fornecia um ambiente no qual poderia nutrir jovens talentos e se perpetuar. Frank Wolff se afastou da ‘Blue Note’ até sua morte em 1971. A gravadora conseguiu sobreviver através de um programa de reedições e material inédito. Esse programa sobreviveu até 1981. Em meados de 1984, foi contratado Bruce Lundvall para ressuscitar a etiqueta. E a ‘Blue Note’ renasceu.

kenny burrell - midnight blue

blue instrumentalists guitar (2006)    blue instrumentalists piano (2006)    blue instrumentalists saxophone (2006)

Blue Instrumentalists
Guitar (2006)    |    Piano (2006)    |    Saxophone (2006)

Tracklist: Blue Instrumentalists - Guitar
01. Grant Green - My Favorite Things 02. Kenny Burrell - Swingin' 03. Tal Farlow Quartet - Splash 04. Kevin Eubanks - Mercy Mercy Mercy 05. Pat Martino - All Blues 06. Grant Green - Speak Low 07. Stanley Jordan - Cousin Mary 08. Bireli Lagrene - Softly As In A Morning Sunrise 09. Ronny Jordan - Mambo Inn 10. John Scofield - Fat Lip 11. Charlie Hunter - Rhythm Music Rides Again 12. Kenny Burrell - Midnight Blue

Tracklist: Blue Instrumentalists - Piano
01. Thelonius Monk - In Walked Bud 02. Bud Powell - Parisian Thoroughfare 03. Kenny Drew Trio - Lover Come Back To Me 04. Horace Silver - Metamorphosis 05. Wynton Kelly - I Found A New Baby 06. Sonny Clark - Speak Low 07. Gene Harris & The Three Sounds - Work Song 08. Horace Parlan - On The Spur Of The Moment 09. Andrew Hill - Venture Inward 10. Don Pullen - Jana's Delight 11. McCoy Tyner - Passion Dance12. Jason Moran - Kinda Dukish

Tracklist: Blue Instrumentalists – Saxophone
01. Lou Donaldson - Avalon 02. Hank Mobley - Ultra Marine 03. Johnny Griffin - It's All Right with Me 04. John Coltrane - Locomotion 05. Wayne Shorter - Yes Or No 06. Sonny Rollins - Why Don't I 07. Stanley Turrentine & The Three Sounds - Gee Baby, Ain't I Good To You 08. Greg Osby - Repay In Kind 09. Joe Henderson - Loose Change 10. Booker Ervin - Sweet Pea 11. Dexter Gordon - Devilette 12. Joe Lovano - Tadd's Delight

Como parte da celebração de setenta anos da ‘Blue Note Records’, em 2009, o selo convocou jovens e experientes estrelas do jazz para executar composições ‘hard bop’, estilo estreitamente identificado com a gravadora nos anos 50 até meados dos anos 60. E assim foi gravado ‘Mosaic’. Uma curiosa coleção. Uma viagem nostálgica por canções famosas. ‘Mosaic’ é um título perfeito, peças assimétricas estabelecidas de forma organizada, intrigante e desigual. O CD 1 foi produzido pelo pianista Bill Charlap e líder do ‘Blue Note 7’, um septeto de jazz formado em 2008. O grupo é constituído por Peter Bernstein (guitarra), Bill Charlap (piano), Ravi Coltrane (saxofone tenor), Lewis Nash (bateria), Nicholas Payton (trompete), Peter Washington (contrabaixo), e Steve Wilson (sax alto, flauta). Bill Charlap é o único membro do grupo que assinou com a gravadora. No entanto, Ravi Coltrane tem ligações familiares importante com a ‘Blue Note’. Seu legendário pai, John Coltrane, gravou apenas uma sessão para o rótulo, ‘Blue Train’, mas foi um grande sucesso. ‘Blue Note 7’ é muito bem conhecido na cena do jazz em Nova York. O CD 2 é constituído pelas mesmas músicas, mas são as originais produzidas por Alfred Lion e interpretadas pelos magníficos artistas contratados na época.

Mosaic: A Celebration of Blue Note Records (2009)

Mosaic: A Celebration of Blue Note Records (2009)
CD 1    CD 2

Tracklist CD 1: The Blue Note 7
01. The Blue Note 7 - Mosaic
02. The Blue Note 7 - Inner Urge
03. The Blue Note 7 - Search For Peace
04. The Blue Note 7 - Little B's Poem
05. The Blue Note 7 - Criss Cross
06. The Blue Note 7 - Dolphin Dance
07. The Blue Note 7 - Idle Moments
08. The Blue Note 7 - The Outlaw

Tracklist CD 2: The Original Sessions
01. Art Blakey & The Jazz Messengers - Mosaic
02. Joe Henderson - Inner Urge
03. McCoy Tyner - Search For Peace
04. Bobby Hutcherson - Little B's Poem
05. Thelonious Monk - Criss Cross
06. Herbie Hancock - Dolphin Dance
07. Grant Green - Idle Moments
08. Horace Silver Quintet - The Outlaw

sarah vaughan

Sarah VaughanSarah Vaughan, juntamente com Ella Fitzgerald, ajudou a elevar o papel da vocalista ao mesmo nível de importância do instrumentista de jazz. Seus primeiros sucessos e uma série de duetos com Billy Eckstine na década de 40 fizeram dela uma das maiores cantoras de jazz durante quase meio século. Possuindo uma perfeita afinação ela cantava com sofisticação a mais desafiadora e complicada harmonia. O sucesso inicial foi atingido com uma mistura de músicas originais de jazz e o melhor da música do ‘Tin Pan Alley’, nome dado aos compositores que se concentravam em New York e que dominavam a música popular dos EUA no século 19 e início do século 20, músicas como ‘Body and Soul’ e ‘Tenderly’. Na década de 50 ela nadou em águas mais comerciais, mas algumas das canções foram descartadas, indignas de seu grande talento. Mesmo assim, em algumas a pirotecnia vocal era evidente, uma exceção foi o seu grande hit ‘Misty’ que ela gravou com a banda de Quincy Jones e com o apoio do brilhante saxofonista Zoot Sims. ‘Misty’ foi a música mais associada à Sarah Vaughan e a mais solicitada pelo público nas apresentações ao vivo, mas nos anos 70, ‘Send in the Clowns’ tornou-se a sua assinatura musical nos encerramentos dos shows. Sarah voltou integralmente à sua força artística nos anos 60, e nos últimos 30 anos de sua carreira ela cantava em clubes de jazz e produziu um notável catálogo musical em vários rótulos. Sua produção foi excelente, mas entre os seus melhores álbuns estão os volumes 1 e 2 de ‘The Duke Ellington Songbook’ que contém versões magníficas. Desde a sua primeira aparição na cena do jazz no início dos anos 1940 até sua morte, a voz de Sarah Vaughan tornou-se um modelo e inspiração para aqueles que querem se aventurar além do simples vocal popular e dominar a arte musical.

Sarah Vaughan

Sarah Lois Vaughan nasceu em Newark, New Jersey. Aos sete anos estudou piano e aos doze se tornou organista e vocalista solo no coro da igreja. Seu pai era um carpinteiro e um guitarrista amador e sua mãe era lavadeira e vocalista na igreja. Apesar de ser um homem religioso, o pai de Vaughan, passava as noites a tocar blues. Sarah tocava piano e ouvia as gravações de artistas de jazz. Depois de descobrir e se apresentar, cantando e tocando piano, em teatros e clubes locais decidiu atravessar o rio Harlem e passou a freqüentar o ‘Savoy Ballroom’ e o ‘Apollo Theatre’ onde ganhou um concurso amador interpretando ‘Body and Soul’, que tanto impressionou o cantor de jazz Billy Eckstine que persuadiu seu bandleader, Earl Hines, a contratá-la. Pianista talentosa, ao tornar-se membro das bandas de Earl Hines e Billy Eckstine, ela entrou para as fileiras do movimento ‘bebop’, uma das correntes mais influentes do jazz que privilegia os pequenos conjuntos, como os trios, os quartetos e os solistas de grande virtuosismo como ela. Logo formou a sua própria e influenciada por Dizzy Gillespie e Charlie Parker gravou com eles em 1945. Depois de um ano, Sarah começou a sua longa carreira como solista para o resto de sua carreira, alternando entre música popular e jazz trabalhou com pequenas e grandes bandas de jazz e grandes orquestras sinfônicas.

Sarah Vaughan

Uma mulher conhecida por sua personalidade franca e eloquência artística, carinhosamente era conhecida como ‘Sassy’ e ‘a divina’. Sarah foi casada quatro vezes: com o bandleader George Treadwell, com o jogador de futebol profissional Clyde Atkins, com Marshall Fisher, dono de um restaurante em Las Vegas e com o trompetista de jazz Waymon Reed. Tudo terminou em divórcio. A cantora incansável ainda mantinha uma bela voz, mas nos bastidores, no entanto, os membros da banda começaram a perceber o ritmo lento do seu andar e a falta de ar. Diagnosticada com câncer de pulmão, ela foi submetida a tratamento quimioterápico. Infelizmente, ela morreu em 1990, um ano depois de receber um Grammy por sua obra.

            sarah vaughan - body and soul
            sarah vaughan & milton nascimento - bridges (travessia)

sarah vaughan - at mister kelly's (1958)

At Mister Kelly's (1958)

01. September in the Rain 02. Willow Weep for Me 03. Just One of Those Things 04. Be Anything (But Be Mine) 05. Thou Swell 06. Stairway to the Stars 07. Honeysuckle Rose 08. Just a Gigolo 09. How High the Moon 10. Dream 11. I'm Gonna Sit Right Down (And Write Myself a Letter) 12. It's Got to Be Love 13. Alone 14. If This Isn't Love 15. Embraceable You 16. Lucky in Love 17. Dancing in the Dark 18. Poor Butterfly 19. Sometimes I'm Happy 20. I Cover the Waterfront

sarah vaughan – gold (2007)

Gold (2007)
CD 1    CD 2

CD 1
01. If You Could See Me Now 02. Black Coffee 03. My Funny Valentine 04. Lover Man 05. Shulie A Bop 06. Body And Soul 07. Tenderly 08. Lullaby Of Birdland 09. I'm Glad There Is You 10. You're Not The Kind 11. Embraceable You 12. How High The Moon 13. Sometimes I'm Happy 14. Lush Life 15. Poor Butterfly

CD 2
01. September Song 02. All Of Me 03. Summertime 04. My Man's Gone Now 05. Passing Strangers (With Billy Eckstine) 06. Broken-Hearted Melody 07. No 'Count Blues 08. Just One Of Those Things 09. Misty 10. The Midnight Sun Will Never Set 11. Smooth Operator 12. Mr. Lucky 13. The Sweetest Sounds 14. Take The A Train 15. Send In The Clowns

sarah vaughan - duke ellington songbook (1979) vol 1    sarah vaughan - duke ellington songbook (1979) vol 2

The Duke Ellington Songbook (1979)
volume 1    volume 2

Volume 1
01. In a Sentimental Mood 02. I'm Just a Lucky So and So 03. Solitude 04. I Let A Song Go Out Of My Heart 05. I Didn't Know About You 06. All Too Soon 07. Lush Life 08. In A Mellow Tone 09. Sophisticated Lady 10. Day Dream

Volume 2
01. I Ain't Got Nothing But The Blues 02. Black Butterfly 03. Chelsea Bridge 04. What Am I Here For? 05. Tonight I Shall Sleep (With A Smile On My Face) 06. Rocks In My Bed 07. I Got It Bad And That Ain't Good 08. Everything But You 09. Mood Indigo 10. It Don't Mean A Thing 11. Prelude To A Kiss

o som brasileiro de sarah vaughan (1978)    sarah vaughan - exclusivamente brasil (1980)

O Som Brasileiro de Sarah Vaughan (1978)
Exclusivamente Brasil (1980)

O Som Brasileiro de Sarah Vaughan
Personnel: Milton Nascimento (voice, violão) Ze Roberto Bertrami (organ, piano, arrangements) Novelli, Sergio Barrozo, Claudio Bertrami (bass) Nelson Angelo (guitar) Robertinho Silva, Wilson das Neves (drums) Danilo Caymmi, Paulo Jobim (flute) Chico Batera, Ariovaldo, Luna, Marcal (percussion) Helio Delmiro (guitar) Edson Frederico (arrangements) Antonio Carlos Jobim (piano, arrangements) Mauricio Einhorn (harmonica)
Tracklist: 01. Bridges (Travessia featuring Milton Nascimento) 02. If You Went Away (Preciso Aprender a Ser Só) 03. Triste (featuring Tom Jobim) 04. The Day It Rained (Chuva) 05. A Little Tear (Razão de Viver) 06. Courage (Coragem featuring Milton Nascimento) 07. Roses And Roses (Das Rosas featuring Dorival Caymmi) 08. Someone To Light Up My Life (Se Todos Fossem Iguais a Você featuring Tom Jobim) 09. I Live To Love You (Morrer de Amor)

Exclusivamente Brasil
Personnel: Helio Delmiro (guitar, violao) Wilson das Neves (drums) Andrew Simpkins (bass) Grady Tate (drums) Edson Frederico (arrangements)
Tracklist: 01. Copacabana 02. The Smiling Hour (Abre Alas) 03. To Say Goodbye (Pra Dizer Adeus) 04. Dreamer (Vivo Sonhando) 05. Gentle Rain 06. Tetê 07. Dindi 08. Double Rainbow (Chovendo na Roseira) 09. Bonita

paulo moura - os gênios não morrem jamais

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paulo mouraNo dia 12 de julho de 2010, partiu o saxofonista, clarinetista, compositor e arranjador Paulo Moura. Os gênios não morrem jamais como observou o pintor surrealista espanhol Salvador Dali. Paulo Moura era considerado um dos principais nomes da música instrumental no Brasil, para mim o maior instrumentista brasileiro. Paulo Moura faria 78 anos nesta quinta-feira, dia 15 de julho. Dono de uma carreira exemplar e músico respeitado mundialmente, ele tinha formação clássica, foi músico da orquestra do Teatro Municipal do Rio de Janeiro, escreveu temas musicais para cinema e televisão. Fã do jazz também trafegava com desenvoltura pelos ritmos regionais brasileiros como o samba, choro e maxixe. Era o caçula de dez irmãos, seis deles músicos, ensaiados pelo pai, Pedro Moura, marceneiro de profissão que tocava clarineta e saxofone em São José do Rio Preto, cidade do interior do Estado de São Paulo. Paulo Mouta ganhou sua primeira clarineta aos nove anos. Aos quatorze anos começou a tocar na banda do pai. Em 1945, a família se mudou para o Rio de Janeiro. Deixou a escola e passou a dedicar-se totalmente à música, estudando clarineta, teoria musical e solfejo. Passou a tocar profissionalmente em clubes e voltou a estudar. Incluiu o sax alto em seus estudos musicais. Em 1951 foi contratado para ser o primeiro saxofonista solista de uma orquestra de rádio e passou a gravar com grandes cantores brasileiros.

paulo mouraO maestro Leonard Bernstein quando veio ao Rio de Janeiro convidou Paulo Moura para tocar sob sua regência interpretando obras de George Gershwin. Fascinado pelo jazz, que dominava as noites do Rio de Janeiro e São Paulo, e sob influência de Dizzy Gillespie e Stan Kenton foi premiado como o melhor clarinetista e melhor saxofonista no concurso ‘Em tempo de Jazz’ de um programa de rádio. Em uma viagem com a orquestra de Ary Barroso, Paulo Moura conheceu Gillespie em New York. De volta ao Brasil, em 1956, cria sua primeira orquestra, inspirada nas big bands americanas. Aos 23 anos, escrevia os arranjos, escolhia o repertório e ensaiava músicos que depois se tornariam como ele, destaques da musica instrumental. No mesmo ano gravou seu primeiro disco, ‘Moto Perpetuo’. Em 1959, executando a ‘Primeira Rapsódia’, de Debussy, classificou-se em primeiro lugar no concurso do Teatro Municipal do Rio de Janeiro. Apaixona-se pela música clássica e toca sob a regência de grandes maestros. Em 1968, grava ‘Hepteto’ e no ano seguinte ‘Quarteto’.

paulo mouraA promissora carreira na música popular não o afastou da música clássica, ele entrou nos anos 60 em grande estilo, e lançou ‘Paulo Moura Interpreta Radamés Gnatalli’, um disco com músicas feitas pelo famoso maestro especialmente para sua clarineta. Nas gravações, Radamés o acompanha ao piano e Baden Powell no violão. Em 1962, formou com Sergio Mendes o ‘Bossa Rio’, que tocou no Carnegie Hall, em Nova York com Tom Jobim, Stan Getz e João Gilberto. Paulo Moura conheceu o pianista norte-americano Cliff Korman em 1981, quando foi a Woodstock, no estado de New York, para dar aulas. Cliff, na época um jovem pianista, foi o primeiro a levantar a mão quando o clarinetista perguntou se alguém gostaria de tocar um pouco com ele. Desde então, estabeleceu-se uma parceria que resultou em vários shows e discos gravados, entre eles ‘Gafieira Jazz’, um encontro de culturas e criações, Paulo Moura e Cliff Korman promovem uma gafieira com sabores do jazz. Gafieira é o local onde, por volta do fim do século XIX e início do século XX em diante, tradicionalmente as classes mais humildes podiam freqüentar para dançar o samba de gafieira ou samba sincopado. Não chegava a ser um clube e sim uma alternativa para essas pessoas. Paulo Moura ganhou o primeiro Grammy Latino para Música de Raiz com o trabalho ‘Pixinguinha: Paulo Moura e os Batutas’, em 2000. E foi indicado novamente ao Grammy em 2008, na categoria Melhor CD Instrumental, como disco ‘Pra cá e Pra Lá’.

paulo moura - ingênuo

paulo moura - hepteto (1968)    paulo moura - quarteto (1968)

Hepteto (1968)     |    Quarteto (1969)

Personnel: Paulo Moura (alto sax, musical) Oberdan Magalhaes (tenor sax) Darcy da Cruz (trompete) Cesário Constâncio (trombone) Luiz Carlos (baixo) Wagner Tiso (piano) Paschoal Meirelles (bateria)
Tracklist: 01. Bonita 02. Travessia 03. Das Tardes Mais Sós 04. Homem do Meu Mundo 05. Bitucada 06. Nem Precisou Mais Um Sol 07. No Brilho da Faca 08. Wave 09. Três Pontas 10. Outubro

Personnel: Paulo Moura (sax alto) Wagner Tiso (piano) Luis Carlos (baixo) Paschoal Meirelles (bateria)
Tracklist: 01. Lamento do Morro 02. Eu e a Brisa 03. Meu Lugar 04. Aos Pés da Santa Cruz 05. Yardbird Suíte 06. Sá Marina 07. Retrato de Benny Carter 08. Razão 09. Feitio de Oração 10. Terra

paulo moura - gafieira etc & tal (1986)    Pixinguinha: Paulo Moura e os Batutas (1998)

Gafieira Etc & Tal (1986)    |    Pixinguinha: Paulo Moura e os Batutas (1998)

Tracklist: Gafieira Etc & Tal
01. Diálogo (Para a paz mundial) 02. Ao velho Pedro 03. Rio Negro 04. Alma brasileira 05. Nada além 06. Fibra/Magia do samba/Jogada/MRA

Tracklist: Pixinguinha - Paulo Moura e os Batutas
01. Ainda me recordo 02. Segura ele 03. Proezas de Solon 04. Cochichando 05. Ingênuo 06. Lamentos 07. Carinhoso 08. Mistura e manda 09. Batuque na cozinha 10. Oito batutas 11. Pelo Telefone 12. Rosa 13. Naquele tempo 14. Vou vivendo 15. Um a zero 16. Urubu malandro

paulo moura - k-ximblues (2001)    paulo moura & cliff korman - gafieira jazz (2006)

K-XIMblues (2001)    |    Paulo Moura e Cliff Korman – Gafieira Jazz (2006)

Tracklist: K-XIMblues
01. Sempre 02. K-Xintema 03. Auto plágio 04. Catita 05. Sonoroso 06. Sonhando 07. Ternura 08. Just walking 09. K-Ximbodega / Eu quero sossego 10. Velhos companheiros

Paulo Moura e Cliff Korman – Gafieira Jazz
Personnel: Paulo Moura (sax alto) Cliff Korman (piano) David Fink (baixo) Paulo Braga (bateria) Mestre Zé Paulo (cavaquinho)
Tracklist: 01. Saxofone, porque choras 02. Sozinha 03. Noites cariocas 04. Pedacinhos do céu 05. Manhã de carnaval 06. Tarde de chuva 07. 1 X 0 08. Mulatas 09. Alma brasileira

paulo moura interpreta radames gnattali (1959)    Paulo Moura, Formiga, Altamirro Carrilho e Abel Ferreira Interpretam Vivaldi, Webber, Purcell e Villa Lobos com Orquestra Sinfônica Brasileira (1977)

Interpreta Radames Gnattali (1959)    |    Interpretam Vivaldi, Webber, Purcell e Villa Lobos (1977)

Paulo Moura Interpreta Radames Gnattali
Personnel: Paulo Moura (sax alto) Radames Gnattali (piano) Baden Powell (violão) Trinca (bateria) Vidal or Paulo (baixo)
Tracklist: 01. Monotonia 02. Devaneio 03. Nostalgia 04. Carioca 1959 05. Sempre a Sonhar 06. Valsa Triste 07. Penumbra 08. Romance

Paulo Moura, Formiga, Altamiro Carrilho e Abel Ferreira - Interpretam Vivaldi, Webber, Purcell e Villa Lobos com Orquestra Sinfônica Brasileira
Personnel: Paulo Moura (Fantasia para Sax Soprano e Orquestra - Villa-Lobos) Maestro Formiga (Fantasia para Trompete em Re e Orquestra - Purcell) Abel Ferreira (Concertino para Clarinete e Orquestra - Webber) Altamiro Carrilho (Concerto para Flautim e Orquestra - Vivaldi) Maestro Julio Medalha (Orquestra Sinfônica Brasileira)
01. Henry Purcell - Fantasia para Trompete - A. Fanfarra
01. Henry Purcell - Fantasia para Trompete - B. Aria
01. Henry Purcell - Fantasia para Trompete - C. Magestoso
01. Henry Purcell - Fantasia para Trompete - D. Adagio
01. Henry Purcell - Fantasia para Trompete - E. Fanfarra
02. Carl Maria Von Weber - Conc.p.Clarinete e Orquestra
03. A.Vivaldi - Concerto para Flautim e Orquestra - A.Allegro
03. A.Vivaldi - Concerto para Flautim e Orquestra - B. Largo
03. A.Vivaldi - Concerto para Flautim e Orquestra - C. Allegro Molto
04. Villa-Lobos - Fantasia para Saxofone Soprano e Orquestra - A. Animé
04. Villa-Lobos - Fantasia para Saxofone Soprano e Orquestra - B. Lent
04. Villa-Lobos - Fantasia para Saxofone Soprano e Orquestra - C. Trés Animé

koko taylor

koko taylorA rainha indiscutível do Chicago Blues cantava no mesmo estilo cru e inconfundível de Big Mama Thornton. Dona de um talento inquestionável e uma voz marcante ela construiu, mesmo enfrentado diversos problemas profissionais e de saúde, uma carreira vitoriosa. Ela foi uma presença ainda maior na cena do blues moderno, permanecendo ativa até sua morte, em 2009. Koko Taylor foi uma blueswoman da velha escola que valorizava o estilo, a emoção e o poder vocal. Não haverá outra como ela. Cora Walton nasceu em uma família muito pobre de Memphis, Tenesse. Seu pai era meeiro. Era um ambiente difícil, a família não tinha eletricidade ou água corrente, e a mãe de Cora morreu deixando-a órfã aos 11 anos. Um amor precoce por chocolate lhe rendeu o apelido de Koko e o amor pela música ela desenvolveu junto com seus irmãos e irmãs numa mistura de gospel que ouvia na igreja e blues que ouvia nas rádios de Memphis. Incentivada pelo pai a apenas ouvir música gospel, acompanhada por um irmão na guitarra feita de barbantes e por outro em uma flauta feita de sabugo de milho, Koko gostava mesmo de cantar blues. Bessie Smith e Memphis Minnie foram influências específicas, assim como Muddy Waters, Howlin 'Wolf e Sonny Boy Williamson. Aos vinte anos Cora Walton estava casada com o motorista de caminhão Robert ‘Pops’ Taylor. O casal se mudou para Chicago à procura de trabalho e se estabeleceu no lado sul da cidade, o berço do blues de Chicago. Koko encontrou trabalho como faxineira em casas de famílias ricas nos subúrbios do norte da cidade. À noite e nos finais de semana, Koko e Pops visitavam os clubes de blues onde se ouvia Muddy Waters, Howlin 'Wolf, Magic Sam, Little Walter e Junior Wells.

koko taylor & willie dixon

Koko Taylor & Willie Dixon

E, graças à insistência de Pops, não demorou muito para que Koko cantasse com os lendários artistas. Depois de um desempenho particularmente ardente, o compositor e arranjador Willie Dixon se aproximou dela revelando que existiam muitos homens cantando blues, mas as mulheres não eram suficientes, e o que mundo precisava naquele momento era uma mulher com uma voz como a de Koko para cantar o blues. Dixon além de compositor e arranjador era, na época, caçador de talentos para a gravadora ‘Chess’ e assim garantiu a ela um contrato e produziu vários singles e dois álbuns, incluindo seu grande hit em 1966 ‘Wang Dang Doodle’ que a colocou, finalmente, como uma das maiores cantoras de blues do mundo. E Koko Taylor conseguiu sucesso no mundo do blues dominado pelos homens. Ela levou a sua música a partir dos pequenos clubes da zona sul de Chicago para renomados festivais. E partilhou o palco com Muddy Waters, Howlin 'Wolf, BB King, Junior Wells e Buddy Guy, bem como com Robert Plant, Jimmy Page e Eric Clapton.

koko taylor & her blues machine

Koko Taylor e sua banda 'The Blues Machine

Embora o blues tenha entrado em declínio durante a década de 70, ela manteve uma ativa agenda de shows, gravou vários álbuns que foram bem recebidos e foi uma das primeiras artistas a ter audiência no lado branco da cidade. Em 1972, se apresentou no ‘Ann Arbor Blues and Jazz Festival’ e lançou um álbum ao vivo. A ‘Chess Records’ começou a ter dificuldades financeiras, e em 1975 Koko mudou para a ‘Alligator Records’ e seu primeiro álbum para o selo ‘I Got What It Takes’ lhe rendeu uma indicação ao Grammy. E passou a ser conhecida por sua voz áspera e timbre poderoso. Em 1988, a tragédia golpeou a cantora em um acidente de carro. Embora Pops Taylor sobrevivesse, sua saúde ficou debilitada e ele morreu de um ataque cardíaco, um ano depois. Depois de se recuperar Koko participou de alguns filmes e foi introduzida no ‘Blues Hall of Fame Hall’ em 1999. Morreu em 2009, após complicações em uma cirurgia. Através de bons momentos e dificuldades pessoais, Koko Taylor se tornou um ícone do blues verdadeiro e sem dúvida, a ser a rainha indiscutível do blues.

koko taylor with willie dixon - insane asylum

koko taylor - south side lady (1973) koko taylor - queen of the blues (1975) koko taylor - force of nature (1993)

South Side Lady (1973)     |    Queen of the Blues (1975)     |    Force of Nature (1993)

Tracklist: South Side Lady
01. I'm a Little Mixed Up 02. Wonder Why 03. What Kind of Man Is This? 04. Black Nights 05. Love Me to Death 06. I Got What It Takes 07. Big Boss Man 08. I'm Gonna Get Lucky 09. Twenty-Nine Ways10. I Love a Lover Like You (Prev. Unrel.) 11. Wonder Why (Part 2) (Prev. Unrel., Live) 12. Wang Dang Doodle (Live) 13. I Got What It Takes (Live) 14. Twenty-Nine Ways (Live) 15. I Got My Mojo Working (Live)

Tracklist: Queen of the Blues
01. Evil 02. Beer Bottle Boogie 03. I Cried Like A Baby 04. I Can Love You Like A Woman (Or I Can Fight You Like A Man) 05. Flamin' Mamie 06. Something Inside Me 07. The Hunter 08. Queen Bee 09. I Don't Care No More 10. Come to Mama

Tracklist: Force of Nature
01. Mother Nature 02. If I Can't Be First 03. Hound Dog 04. Born Under A Bad Sign 05. Let The Juke Joint Jump 06. 63 Year Old Mama 07. Don't Put Your Hands On Me 08. Bad Case Of Loving You (Doctor, Doctor) 09. Fish In Dirty Water 10. Tit For Tat 11. Put The Pot On 12. Nothing Takes The Place Of You 13. Spellbound 14. Greedy Man

koko taylor - royal blue (2000) koko taylor - deluxe edition (2002) koko taylor - old school (2007)

Royal Blue (2000)     |    Deluxe Edition (2002)     |    Old School (2007)

Tracklist: Royal Blue
01. Save Your Breath 02. Hittin’ On Me 03. Bring Me Some Water 04. But On The Other Hand 05. Don’t Let Me Catch You With Your Drawers Down 06. Blues Hotel (With B.B. King) 07. Fuel To Burn 08. The Man Next Door 09. Old Woman 10. Ernestine 11. Keep Your Booty Out Of My Bed 12. Keep Your Mouth Shut And Your Eyes Open

Tracklist: Royal Blue
01. I'm A Woman 02. Beer Bottle Boogie 03. Born Under a Bad Sign 04. Mother Nature 05. Hey Bartender 06. I'd Rather Go Blind 07. Man Size Job 08. Let the Good Times Roll (Live) 09. Voodoo Woman 10. Wang Dang Doodle 11. Stop Watching Your Enemies 12. Sure Had A Wonderful Time Last Night 13. Come to Mama 14. Time Will Tell 15. Blues Hotel

Tracklist: Old School
01. Piece Of Man 02. Gonna Buy Me A Mule 03. Black Rat 04. Money Is The Name Of The Game 05. You Ain't Worth A Good Woman 06. Better Watch Your Step 07. Bad Avenue 08. Bad Rooster 09. Don't Go No Further 10. All Your Love 11. Hard Pill To Swallow 12. Young Fashioned Ways

O álbum ‘What It Takes’, mais do que uma retrospectiva dos anos em que Koko esteve na ‘Chess Records’, fornece um histórico de suas gravações com músicos lendários como o gaitista Big Walter Horton, o pianista Lafayette Leake, os guitarristas Buddy Guy e Matt 'Guitar' Murphy, o baixista Jack Meyers e o baterista Fred Below. E, claro, o compositor, baixista e produtor Willie Dixon. A música ‘Wang Dang Doodle’ composta por Dixon soa forte ainda hoje exatamente como em 65. Esta é uma das maiores canções do blues de Chicago. ‘Insane Asylum’ é um dos melhores duetos entre Willie Dixon e Koko Taylor, com o acompanhamento do pianista Lafayette Leake. Os anos na ‘Chess Records’ devem ser um complemento necessário à biblioteca de todos os fãs de blues, representando não só alguns dos melhores trabalhos de Koko, mas o som do blues de Chicago durante a era, frequentemente, esquecida da década de 1960. Mais do que um mero conjunto de canções este é também o legado musical de Koko Taylor.

koko taylor - what it takes (2009)

What It Takes: The Chess Years (2009)

01. I Got What It Takes 02. Don't Mess with the Messer 03. Whatever I Am, You Made Me 04. I'm a Little Mixed Up 05. Wang Dang Doodle 06. (I Got) All You Need 07. (Just) Love Me 08. What Came First the Egg or the Hen 09. Insane Asylum 10. Fire 11. I Don't Care Who Knows 12. Twenty Nine Ways (To My Baby's Door) 13. Blue Prelude 14. I Need More and More 15. Um Huh My Baby 16. Bills, Bills More Bills 17. Let Me Love You Baby 18. I Got What It Takes

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